Termine

THE EARLY DAYS // BRIT POP & BEYOND // 1980 - 2010
The Early Days - Party like it´s 2004!

The Early Days verspricht rohen Indie-Sound wie er klingt noch bevor er durch den Remix-Wolf gedreht wurde. Klar wie der Schnaps, den man dazu trinkt, und ungezwungen wie eben diese Bands, die wir immer noch lieben. Morrissey ist immer noch sexy und The Libertines immer noch wild. Diese Nacht ist das Kapitel „1980-2010“ im Geschichtsbuch zu Brit Pop, Post Punk und Hamburger Schule.

Brit Pop & Beyond 1980 - 2010

Line up:
BRITISH.MUSIC.CLUB
Karrera Klub (Spencer)
King Kong Kicks DJS

The Smiths // Pulp // The Libertines // Blur // Pixies // New Order // Bloc Party // The Kooks // Maximo Park // Iggy Pop // Franz Ferdinand ...

DAS MIT UNS IST NICHT MEHR NORMAL
Präsentiert von
KING KONG KICKS
kingkongkicks.com

Wednesday, I'm in love
WEDNESDAY, I’M IN LOVE

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Indie, Brit Pop, Electro, Wave & Beyond from the early days until now
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von und mit den Karrera Klub DJs

Der Karrera Klub startet mit "Wednesday, I’m In Love" eine neue Partyreihe. Jeden Mittwoch ab 23h (bis die letzte Textzeile mitgesungen wurde) gibt es im kleinen aber feinen Bohnengold in der Reichenberger Str. 153 in Berlin Kreuzberg den altbewährten Mix aus Indie, Brit Pop, Electro & Wave, aufgelegt von den Karrera Klub DJs. Vom Klassiker über artverwandte Gitarrensounds bis zum neusten Hype ist alles dabei, was das Herz des gepflegten Gin & Tonic Trinkers höher schlagen lässt. Eintritt Frei - Spaß dabei!


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FREE ENTRY

Bohnengold
Reichenberger Str. 153
10999 Berlin
** Open every day from 6pm till late **

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Indietanzbar
Die Indietanzbar gibt es im Rosi´s immer am ersten Donnerstag des Monats mit DJ Christian.

KARRERA KLUB vs HIGH ON HYPE
KARRERA KLUB ist eine nicht wegzudenkende Tanztitution in Berlin. Auf dem Telefonzellen-Floor gibt es klassischen Indie, Brit Pop und Wave mit Christian und Spencer. Wenn's klingelt bitte rangehen. Es wird wichtig und richtig gut sein.


HIGH ON HYPE ist der siamesische Drilling unter den Parties. Moderner Indie kommt zusammen mit Brüderchen Rap und Schwesterchen Elektro in den Klub und tanzt mit einem Gin Tonic in der Hand locker und ungezwungen. Mit einem Luftballon mit der Aufschrift "WIE SOLL DAS GEHEN?" in der anderen Hand wird die niegestellte Frage automatisch und gefühlsecht beantwortet.

Wednesday, I'm in love
WEDNESDAY, I’M IN LOVE

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Indie, Brit Pop, Electro, Wave & Beyond from the early days until now
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von und mit den Karrera Klub DJs

Der Karrera Klub startet mit "Wednesday, I’m In Love" eine neue Partyreihe. Jeden Mittwoch ab 23h (bis die letzte Textzeile mitgesungen wurde) gibt es im kleinen aber feinen Bohnengold in der Reichenberger Str. 153 in Berlin Kreuzberg den altbewährten Mix aus Indie, Brit Pop, Electro & Wave, aufgelegt von den Karrera Klub DJs. Vom Klassiker über artverwandte Gitarrensounds bis zum neusten Hype ist alles dabei, was das Herz des gepflegten Gin & Tonic Trinkers höher schlagen lässt. Eintritt Frei - Spaß dabei!


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Bohnengold
Reichenberger Str. 153
10999 Berlin
** Open every day from 6pm till late **

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Catholic Action
Catholic Action sind ein Produkt der berühmt berüchtigten Musikszene aus Glasgow, aus der schon Bands wie Travis, Franz Ferdinand oder auch The Fratellis entwuchsen. Durch ihren unvergleichlichen Sound, konnten sie auf der ganzen Insel Fans für sich gewinnen. Catholic Action wurde durch McCrory, dem Bassisten Jamie Dubber und dem Drummer Ryan Clark im Jahr 2014 gegründet. Andrew Mcpherson stieß erst später als Leadgitarrist zur Band und brachte so weiteren Glanz in den Bandeigenen Sound, den sie selbst als Glam Noise Rock bezeichnen.Die vierköpfige Band zentriert sich um den sehr talentierten Sänger und Gitarristen Chris McCrory, der einigen schon bekannt sein dürfte, als Drummer der Band Casual Sex. McCrory ist mit seinen gerade einmal 24 Jahren schon Vollzeit Produzent und Toningenieur in seinem eigenen Tonstudio, das er sich gleich nach der Schule aufgebaut hat. Während er mit vielen Künstlern aus der DIY Szene in Glasgow arbeitet, ist er damit auch noch als außergewöhnlicher Songwriter in Erscheinung getreten. So wurde Catholic Action derzeit zu den meistbeachtesten Bands der Stadt und sind nun bereit den Rest der Welt davon zu überzeugen.

Girlpool
Schon die selbst betitelte und auf Wichita Recordings veröffentlichte Debüt-EP des Duos Girlpool aus L.A. und der schön-schräge DIY-Sound der beiden Freundinnen machte sofort Furore. Cleo und Harmony haben sich in einem Club in L.A. kennen gelernt, sie wuchsen schnell sehr eng zusammen und fingen an erste Songs auf Gitarre, Bass und Schlagzeug zu arrangieren. Einzigartig macht Girlpool dabei der originelle Harmoniegesang, die starken Texte und das Vermögen, live, ebenso wie auf Platte, den Songs eine dicke Portion Tiefe zu verleihen.
Der NME und Pitchfork lassen dazu folgendes verlauten:“ ’Jane’ sounds like a murder ballad drawn in crayons, with red scribbly blood exploding at the edges, but it ends with a message of empowerment” (Pitchfork). "Armed with just two guitars, the duo reel you in with seriously catchy hooks and achieve more depth with these songs than any drum kit ever could." (NME).
Jüngst ist mit "Before The World Was Big" das heiss erwartete Debütalbum von Girlpool erschienen, das die Beiden in ihrer neuen Wahlheimat Philadelphia eingespielt haben. Wir hören sparsam instrumentierte, introspektive Punk-Songs mit ehrlichen, doch kraftvollen Texten über das Erwachsenwerden, Freundschaften und Existenzängste. Ein bisschen frühe Tegan And Sara treffen auf junge Liz Phair mit einer Prise Team Dresch.

Ian Sweet
Infos folgen....

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Der Karrera Klub startet mit "Wednesday, I’m In Love" eine neue Partyreihe. Jeden Mittwoch ab 23h (bis die letzte Textzeile mitgesungen wurde) gibt es im kleinen aber feinen Bohnengold in der Reichenberger Str. 153 in Berlin Kreuzberg den altbewährten Mix aus Indie, Brit Pop, Electro & Wave, aufgelegt von den Karrera Klub DJs. Vom Klassiker über artverwandte Gitarrensounds bis zum neusten Hype ist alles dabei, was das Herz des gepflegten Gin & Tonic Trinkers höher schlagen lässt. Eintritt Frei - Spaß dabei!


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The Veils
Es existieren die unterschiedlichsten Arten, wie jemand sein Tagebuch schreibt. Die einen reduzieren sich auf das Festhalten von Daten und nüchternen Fakten, andere üben sich in virtuoser Prosa und sprachmächtigen Metaphern. Der in Neuseeland aufgewachsene Brite Finn Andrews, Sohn des ehemaligen XTC-Gitarristen Barry Andrews, nutzt hingegen seit gut einem Jahrzehnt die Songs seiner Band The Veils, um seine Eindrücke, Erlebnisse und kraftvollen Meinungen pointiert abzuarbeiten. Und ebenso, wie sich Auffassungen und Überzeugungen eines Menschen über die Jahre ändern, so ändert sich auch die Musik von The Veils mit jedem neuen Album – mal mehr, mal weniger radikal, aber doch stets mit Vorsatz. Das einzige, was bei dieser im weiteren Sinne als Indie-Band zu bezeichnende Formation stets gleich bleibt, ist der hohe künstlerische Anspruch an jeden Song, die unbedingte Neugier auf Neues sowie die höchst klugen Lyrics eines Frontmannes, der mit seinem intellektuellen Blick auf die Welt Texte von sinistrer Poesie schreibt. Die Geschichte von The Veils begann 2001. Damals war Andrews gerade einmal 18 Jahre alt, hatte aber bereits mehr als zwei Dutzend herausragende Songs geschrieben. Geoff Travis, Chef der Indielabel-Legende Rough Trade, erkannte sein Potenzial und nahm The Veils, damals ein Trio, unter Vertrag. Nach der ersten Welttournee trennte sich Andrews von seinen bisherigen Mitmusikern, überdachte den noch im Grunge verhafteten Sound grundsätzlich und suchte sich eine neue Begleitband. Von nun an waren The Veils ein Quintett, das sich mit höchst eigenständiger Musik zwischen Indie, Pop und Artrock platzierte. Den größten stilistischen Schritt unternahmen The Veils aber mit ihrem fünften Album „Total Depravity“, das im vergangenen Herbst erschienen ist. Das über weite Strecken sehr dunkel gehaltene, von vielen privaten und gesellschaftlichen Dämonen erzählende Werk erschafft einen so noch nicht gehörten Klangkosmos. Einer der größten Fans der Band ist übrigens David Lynch, der nicht nur die Musik von The Veils in der anstehenden Neuauflage seines Klassikers „Twin Peaks“ verwendet, sondern Andrews mit seiner etwas mystischen Aura als charakterstarke Figur perfekt in der Serie auftreten lässt. Aber vorher kommen The Veils im Herbst auf große Deutschland-Tour.

The Crookes
The Crookes lösen sich auf. Nach zehn gemeinsamen Jahren, vier gefeierten Alben und unzähligen großartigen Konzerten ist für die britischen Indie-Popper Schluss. Aber nicht ohne noch einmal groß zu feiern. Hier das Statement der Band:
Liebe Freunde, nach zehn Jahren The Crookes haben wir uns entschieden: Das war’s! Wir bleiben beste Freunde, für immer. Wir hatten als Band ein unglaubliches gemeinsames Leben, und wir sind sehr stolz auf das Erreichte. Die vergangene Dekade war sehr gut zu uns und wir sind glücklich darüber, auf dem Höhepunkt abtreten zu können. Wir möchten Euch danken, dass Ihr zu unseren Shows gekommen seid, unsere Platten gekauft, uns Geschenke und Nachrichten geschickt habt und uns sogar bei Euch zu Hause habt schlafen lassen, als wir auf Tour waren. Durch Euch haben wir großartige Erfahrungen gemacht. Dafür sind wir sehr, sehr dankbar. Natürlich können The Crookes Euch alle nicht verlassen, ohne anständig Good Bye zu sagen. Darum spielen wir einige Abschiedskonzerte. Von unseren vielen treuen Fans in Deutschland wollen wir uns in Berlin mit einem Konzert im Privatclub verabschieden.

The Crookes - I Wanna Waste My Time On You (Official Music Video) from Khyan Mansley on Vimeo.

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Indie, Brit Pop, Electro, Wave & Beyond from the early days until now
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von und mit den Karrera Klub DJs

Der Karrera Klub startet mit "Wednesday, I’m In Love" eine neue Partyreihe. Jeden Mittwoch ab 23h (bis die letzte Textzeile mitgesungen wurde) gibt es im kleinen aber feinen Bohnengold in der Reichenberger Str. 153 in Berlin Kreuzberg den altbewährten Mix aus Indie, Brit Pop, Electro & Wave, aufgelegt von den Karrera Klub DJs. Vom Klassiker über artverwandte Gitarrensounds bis zum neusten Hype ist alles dabei, was das Herz des gepflegten Gin & Tonic Trinkers höher schlagen lässt. Eintritt Frei - Spaß dabei!


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The Drums
Im Juni erscheint das vierte Album von The Drums mit dem Titel „Abysmal Thoughts“. Es sei die Platte, die er immer in seinem Herzen getragen habe, verkündete Jonny Pierce. Weil es sich um The Drums handelt, kann man felsenfest darauf wetten, dass es dabei um ein gebrochenes Herz geht: „Glück verwirrt mich, es kommt aus dem Nichts, und bevor man sich daran gewöhnt, ist es wieder verschwunden“, sagt der Frontmann. „Aber abgrundtiefschwarze Gedanken? Auf die kann ich mich verlassen – und im jetzigen politischen Klima weiß niemand, wann es je wieder heller wird.“ Pierce ist das letzte verbliebene Mitglied der ehemals vierköpfigen Band und inzwischen für den Schreib- und Produktionsprozess zuständig. Dafür ist er aus New York weggezogen und hat seine Inspiration in Los Angeles gesucht. Vielleicht klingt der Vorab-Track „Blood Under My Belt“ deshalb so nach den frühen Drums, nach dem fröhlichen Pfeifen, der Leichtigkeit des Gesangs, der Rockabilly-Gitarre der ersten EP „Summertime!“, auf der so wunderbar Melancholie und Indie-Surf miteinander verbunden waren. Pierce hat nicht nur, wie zu Anfang der Bandgeschichte, alle Songs geschrieben und gesungen, sondern dieses Mal auch alle Instrumente eingespielt. Dabei verwendete er die Gitarre, den Synthesizer, die Drum Machine und das Hallgerät der Anfangstage. Alles fiel leichter als gedacht: Nachdem das erste Stück fertig war, flossen Pierce die anderen musikalischen und lyrischen Einfälle nur so zu. Es sei wie eine Erleichterung, eine Offenbarung gewesen, wie Dampf ablassen, als habe er das ganze Leben in die Musik gepackt. Dass Musik eine heilende Wirkung haben kann, ist ja schon lange bekannt, aber dass sie alle Mühsal und alles Elend aufnimmt und dabei trotzdem noch so schön und frei klingt: Das schaffen nur The Drums. Ende September kommt Jonny Pierce a.k.a. The Drums mit seiner Live-Band für eine exklusive Show nach Berlin.

Hawk
indieberlin.de schreibt: "Im Post Rock Indie Sound zuhause und kombiniert mit der Stimme einer jungen Skunk Anansie stellen HAWK am 17.03. ihre neue EP vor. Längst sind HAWK kein Fremdbegriff mehr, wenn es um qualitativ hochwertigen, bewegenden Grunge made in Europe geht und beweisen ein weiteres mal mit ‘She Knows’, dass ihnen musikalische Grenzen fremd sind.

HAWK wurden bereits mit vielen Bands verglichen unter anderem mit Warpaint, Cranberrys und Radiohead. Und obwohl alles zutrifft, fasst dennoch kein einziger Vergleich die Einzigartigkeit der Band ähnlich ihrem vielseitigem Hintergrund aus London, Irland und Berlin. Nach dem Erfolg der Vorgängerplatten Clock Hands (2015) und HAWK (2016) haben HAWK an She Knows gearbeitet und eine EP hervorgebracht, die so einzigartig und berührend ist, dass es schwer sein wird Worte für sie zu finden und ihre gesamte künstlerische Bandbreite zu erfassen."

Maximo Park
Maxïmo Park haben eben mit „Risk To Exist“ ihr sechstes Studioalbum veröffentlicht. Darauf hat sich die Band aus Newcastle deutlich weiterentwickelt, und das gleich in mehrere Richtungen: War das Quintett (bei dem übrigens jetzt der Live-Bassist Paul Rafferty offiziell Archis Tiku ersetzt) bislang doch eher die Speerspitze des britischen Indie-Rock, haben sich Frontmann Paul Smith und seine Jungs zum einen musikalisch weiterentwickelt. Konnte man bislang doch eher The Clash und ähnliche Punkrock-Veteranen als Referenzen heraushören, drängen nun verstärkt Paul Weller und die Stimme von Feargal Sharkey ins Zentrum. Einiges ist aber geblieben: Die Hook-geladenen Melodien, das Gespür für Dringlichkeit, soulige Grooves und Pop-Sensibilität sind weiterhin das Markenzeichen der Briten. „Risk To Exist“ geht aber auch produktionstechnisch einen mutigen neuen Weg. Neugierig aus dem gewohnten Umfeld im englischen Nordosten auszubrechen, zog es Maxïmo Park im Herbst 2016 in Wilcos Studio nach Chicago. Komplett live aufgenommen, produzierte die Band das Album gemeinsam mit Tom Schick (Wilco, Beck, White Denim). Mit von der Partie war auch Mimi Parker von der gefeierten US-Band Low, deren Stimme bei fünf Songs auf dem Album zu hören ist. Die dritte Neuigkeit betrifft die Lyrics: Inhaltlich ist die neue Platte deutlich politischer geworden als man das von Maxïmo Park eh schon gewohnt war. „Ich hatte befürchtet, einige Songs könnten ihre Aktualität verloren haben, bis sie erscheinen“, sagt Smith, „aber das ist unglücklicherweise nicht der Fall.“ Im Angesicht der aktuellen Weltpolitik und der bröckelnden politischen Systeme ist das neue Werk ein wichtiges Zeichen in der heutigen Zeit. Diese Pop-Songs sprechen die großen Themen an, ohne den Hörer niederzureden - ein Album auf dem das Politische auch das Persönliche ist. Im Herbst kommen Maxïmo Park zu uns auf Tour und präsentieren ihre neuen Stücke live.

Diet Cig
Diet Cig geben dem Indie Rock die Leichtigkeit zurück, die ihm in letzter Zeit oft ein bisschen verloren gegangen ist. Das Duo aus New York führt einen mit dem poppigen Punk ansatzlos in bessere Zeiten zurück. Sängerin und Gitarristin Alex Luciano und Schlagzeuger Noah Bowman spielen zusammen, seit die junge Frau ein Konzert von Bowmans früherer Band Earl Boykins durch die Frage nach einem Feuerzeug unterbrochen hatte. Es gibt eben unterschiedliche Arten, sich kennen zu lernen. Schon kurz darauf nahmen die beiden ihre erste EP „Over Easy“ auf, eine Handvoll Songs voller hemmungslos geprügelter Beats, einer klassischen Indie-Schrammelgitarre und Lyrics über das Erwachsenwerden, Partys und nächtliche Poolabenteuer. Die Platte verbreitete sich blitzschnell in der örtlichen Szene. Eben erschien mit „Swear I’m Good At This“ das erste lange Album der New Yorker. Es führt das musikalische und inhaltliche Konzept fort. Songs für den Club und danach, voller Kraft und Macht, laut und roh, sowie lyrische Texte voller Emotion, die gleichzeitig eine Verletzlichkeit ausdrücken, lauthals „Fuck You!“ schreien und perfekt für einen Sing-a-Long sind: Das macht Luciano und Bowman so schnell niemand nach. Insbesondere wenn es auf die Bühne geht, wirkt der spröde Charme und die offene Ehrlichkeit des Duos wie eine Befreiung. Ja, es ist okay, dass du früher mal N’Sync gut fandest. Hauptsache du hast dich besonnen und weißt jetzt, worauf es ankommt: Diet Cig zu lieben.

The Spook School
The Spook School sind ein Quintett aus Edinburgh, Schottland.
Sleazemag schreibt:
„Die Musik ist vor allem unbeschwerlicher Indiepop mit leichter Punk-Attittüde, da die Gitarren hier eindeutig nicht zu kurz kommen. Textlich haben The Spook School dafür viel zu bieten. Sie schaffen es, ihre wichtigen Botschaften mit einfachen Formulierungen zu übermitteln, ohne besonders tiefgründig oder appellierend rüber zu kommen.“
und ox-fanzine.de:
„Wer SPOOK SCHOOL bis heute noch nicht entdeckt hat, sollte das mal flugs nachholen. Die Band befasst sich mit queerfeministischen Themen, verpackt sie gern auch mal ausgelassen-albern in leicht rumpelnden Pop mit Sechziger-Rock’n’Roll-Einschlag.“

Grizzly Bear
Indierock? Songwriter-Elektronik? Avantgarde-Pop? Future-Folk? Psychedelic Art-Rock? Oder gar Experimental Neo-Psychedelia? Wohl jeder so genannte Fachmann für stilistisches Schubladendenken dürfte sein eigenes Genre nennen, um die ausufernde, in jedem Moment hochspannende Musik des New Yorker Quartetts Grizzly Bear zu beschreiben. Das Schöne dabei: Jeder von ihnen dürfte ebenso recht haben wie falsch liegen – denn Grizzly Bear sind schlicht nicht zu kategorisieren. Daher die Fakten: Um die Jahrtausendwende startete der Brooklyner Musiker Ed Droste ein Soloprojekt unter diesem Namen; da er zunächst alleine tätig war, fand sich in seiner Musik ebenso das Folk-Moment eines profilierten Singer-/Songwriters, wie er sein tiefes Interesse an elektronisch programmierter Musik auslebte. Das Grizzly Bear-Debütalbum „Horn of Plenty“, 2004 erschienen, war dann auch noch größtenteils ein Alleingang, lediglich auf einigen Songs unterstützt von dem zukünftigen Grizzly Bear-Schlagzeuger Christopher Bear. Die ersten Live-Konzerte bestritten sie sodann als Trio mit dem Bassisten Chris Taylor, doch schnell kam noch ein vierter Mann hinzu, der Gitarrist und Multi-Instrumentalist Daniel Rossen. In diesem Line-Up vergrub sich das Quartett immer tiefer in Abstraktion, die aber niemals die wunderbare Funktion einer guten Melodie vergisst. Das Experiment wurde für Grizzly Bear zum Inhalt, aber nicht zum Selbstzweck. So überraschten sie in den folgenden Jahren auch immer wieder mit unerwartet zugänglichen Songs, die ihnen eine weltweite Fanbasis einbrachten. Der Durchbruch in ihrer Heimat USA geschah im Jahr 2008, als sie mit Radiohead auf Tournee gingen. Nachdem Radioheads Johnny Greenwood bei bald jedem Konzert explizit darauf hinwies, dass Grizzly Bear seine erklärte Lieblingsband sei, wuchs die Beachtung auch international enorm. Mit dem 2009 veröffentlichten, dritten Album „Veckatimest“ gelang den vier Brooklynern sodann der internationale Durchbruch: Es stieg in zahllosen Ländern in die Top 40 der Albumcharts ein und knackte erstmals auch die Top Ten der US-Billboard Charts. Und das alles mit Musik, die ebenso gut auf der documenta in Kassel laufen könnte, wie sie in Studenten-Cafés dies- und jenseits des Atlantiks passt.
Seither hört man nicht selten, dass Grizzly Bear die US-amerikanische Entsprechung zu Radiohead sei – ein Kreis hatte sich geschlossen. Fast zwei Jahre tourte der Vierer im Anschluss im die Welt und gönnte sich danach seine erste Auszeit seit den Anfangstagen. Erst im Herbst 2016 verdichteten sich die Gerüchte, dass Grizzly Bear an einem neuen Album arbeiten. Jenes gilt mittlerweile als nahezu fertig gestellt, ein Veröffentlichungstermin ist allerdings noch nicht genannt worden. Anders als beim Vorgänger, den Grizzly Bear in weitab von der Zivilisation gelegenen Studios in Texas und Massachusetts im Rahmen ausgiebiger Gemeinschaftsarbeit aufnahmen, entstand das neue Werk laut Droste „fragmentarischer“: Bedingt durch den Umzug zweier Band-Mitglieder nach Los Angeles traf sich die Band stets nur zu recht kurzen, aber sehr intensiven Arbeits-Sessions. Wie bei ihnen üblich, darf man wieder völlig neue Nuancen und Klang-Ästhetiken erwarten, wie bereits der vorab ausgekoppelte und auf allen bekannten Video-Plattformen abrufbare Song „Three Rings“ beweist: Es ist ein Stück, das nachgerade schwerelos zwischen knackigen Drumpatterns, orchestralen Soundscapes und einer unmittelbar unter die Haut gehenden, äußerst melancholisch gefärbten Leadstimme hin und her oszilliert. Nach den nunmehr fünf Jahren Pause seit dem letzten Album sind die Fans mindestens so elektrisiert wie die Band selber, die gegenwärtig nicht müde wird, fast täglich über die sozialen Netzwerke neue Snippets und abstrakte Kurzvideos zu posten – stets mit dem Vermerk, dass sie es nicht mehr erwarten können, die neue Musik mit der Welt zu teilen.

Liima
zeit online schreibt:
"Liima ist Finnisch und heißt Klebstoff oder Leim. Die gleichnamige Band gibt also direkt schon mal ein passendes Leitmotiv für ihr erstes Album ii vor: Es kommt nämlich auf den Klebstoff an, will man unterschiedliche Teile zusammenhalten. Liima sind selbst zusammengeklebt, aus dem finnischen Perkussionisten Tatu Rönkkö und den ehemaligen Mitgliedern des dänischen Trios Efterklang. Das hatte sich 2014 aufgelöst, nachdem es jahrelang mit Indiepop erfolgreich gewesen war, der zwischen Postrock, Folk-Electronica und opulent arrangierter Orchestermusik changierte. Rönkkö wiederum tourte mit Experimentalmusikgrößen wie Jimi Tenor. Ansonsten ist er eher ein Typ, der spontane Küchenkonzerte spielt, indem er auf allem herumklöppelt, was er dort in den Schränken und Schubladen findet.
Ihr gemeinsames Debüt ii kombiniert nun auf brillante Weise Efterklangs Händchen für Dramaturgie und Rönkkös Improvisationstalent. Rhythmus, Groove und brachiale Stimmungswechsel dominieren den Sound. Getriebenes Tempo wird zu verträumtem Treiben; zackige Synthies verweisen auf New Wave und Electro der Achtziger. Casper Clausens Gesang folgt dem rhythmischen Fluss, mal vibrierend und ins Sphärische verzerrt vom Nachhalleffekt, mal von berückend klarer Eleganz. Vor allem aber – Klebe-Metapher! – ist ii Collagekunst, ein Mosaik aus Klangschnipseln. Es fiept und scheppert, rumpelt und brummt, ein Gewusel, das wieder in Form gebracht wird von weit tragenden Synthieflächen und einem warm wummernden Bass.
Für ihren Sound haben sich Liima eine besondere Produktionsweise überlegt: Jeweils eine Woche lang quartierten sie sich an vier völlig unterschiedlichen Ecken Europas ein (Europa, auch so ein Klebe-Projekt?) – eine finnische Seenlandschaft, ein verschneites Istanbul, Berlin und die Insel Madeira. Dort wurden die Stücke für ii improvisiert und geschrieben. Rönkkö setzte seine Drum-Beats dabei aus handgemachten Samples zusammen, das heißt: Was auch immer an der jeweiligen Stätte zu finden war, konnte als Instrument oder Quelle für field recordings dienen.

Liima sind dort am stärksten, wo sie ihrem Hang zur Theatralik gegensteuern und man ihren verspielten Zugang hören kann, weil sie ihn nicht zu sehr geglättet haben. Um im Bild zu bleiben: Mit zu viel Leim wird’s schnell zu Brei. Aber dort, wo Liima sparsamer kleben, haftet ii bestens im Gehörgang."

Shout Out Louds
Neues Label, neue Single, neues Album und jede Menge Live-Dates. Mit „Oh Oh“ feiert eine der großartigsten schwedischen Indie-Popbands aller Zeiten am 21. April (hierzulande) ihren Einstand bei Sony Music: Shout Out Louds. Es ist der erste neue Song der Band seit vier Jahren und stammt aus dem kommenden, fünften Shout Out Louds-Album, das noch 2017 erscheinen wird. Mit dem neuen Material kehren die Stockholmer zu ihren musikalischen Wurzeln zurück: warmer, melancholischer Indie-Pop/Rock.
„‘Oh Oh‘ war eine Art Trigger für dieses Album“, erklärt die Band. „Als der Song fertig war, spürten wir, dass wir uns auf die Energie und das Gefühl fokussieren konnten und sollten. Wir wollten zu unseren Wurzeln zurückkehren, zu unserem Zusammenhalt und unserer Art von Handwerk. Wir erinnerten uns daran, dass wir eine Band sind, die sich gegenseitig mag und sehr gern zusammen spielt. Der Rest ist uns ziemlich unwichtig.“
Das bislang letzte Album der Band, „Optica” erschien 2013 und konnte sich – wie bereits der Vorgänger „Work“ 2010 – in den Offiziellen Deutschen Albumcharts platzieren. Die Bandpause nutzten die Musiker u.a. zur Familiengründung und für die Verwirklichung diverser Solo- und Nebenprojekte. Sänger Adam Olenius veröffentlichte einen Solo-EP, Keyboarderin/Sängerin Bebban Stenborg ein Album mit ihrer Band Astropol und Bassist Ted Malmros nahm Musik mit seinem Duo A Nighthawk auf. Irgendwann kam dann allerdings der Zeitpunkt, die Shout Out Louds erneut zu kickstarten.
Der Großteil des neuen Albums wurde in einem kleinen Kellerstudio in Stockholm mit Produzent Fredrik Swahn aufgenommen. Er ist Mitglied der Band The Amazing und arbeitete jüngst mit der französischen Künstlerin Melody‘s Echo Chamber. „Die Arbeit mit Fredrik gab uns großartige Energie und machte uns als Band besser“, so die Shout Out Louds. „Er brachte es sogar fertig, dass wir jetzt bessere Freunde sind als vorher, keine Ahnung, wie das überhaupt noch möglich war. Wir hatten großen Spaß und kehrten gleichzeitig zu dem Kern unseres Schaffens zurück. In ‚Oh Oh‘ geht darum, dieses Gefühl zu erhalten: nie deinen Traum aus den Augen zu verlieren.“
Nach der Beendigung der Album-Aufnahmen stehen für die Shout Out Louds einige Festivalauftritte auf dem Programm – im Oktober folgt dann eine komplette Deutschlandtour.

Yumi Zouma
Wenn man bei Yumi Zouma nicht von einer unglaublich süßen Kombination aus hübschen Menschen, simpler und gleichzeitig verspielter Musik und ganz unschuldigen Stimmen reden kann, dann kann man das sonst wahrscheinlich nie. Obwohl der Gesang nur einem Windhauch gleicht - oder vielleicht gerade erst deswegen - klingt alles sehr intim und vertraut. „The Brae“, der erste Eindruck ihrer ersten EP, gleicht einem honigsüßen Juwel, verziert mit weichen, aus dem Gleichgewicht geratenen Melodien, die über die starke Lyrik und den tiefen Hall hinwegtäuschen. Ein wunderschön eingerahmtes Gefühl, das den Hörer in eine goldüberzogene Welt entführt.
Die drei guten Freunde, die inzwischen auf verschiedenen Kontinenten wohnen, finden sich glücklicherweise oft genug zusammen, um gemeinsam an mehr Dream-Pop zu tüfteln.

We Invented Paris

We Invented Paris ist das Kollektiv um den Basler Sänger und Songwriter Flavian Graber. Es vereint Musiker, Designer und Filmemacher und erfindet seine Architektur und sein Klangbild seit dem Startschuss vor sieben Jahren immer wieder neu. Nach zwei erfolgreichen Album-Veröffentlichungen und über 250 Shows in ganz Europa, entschieden sich Graber und seine Mitstreiter vor zwei Jahren für eine kreative Schaffenspause; für eine bewusste Rückbesinnung zu den eigenen Wurzeln. Jetzt sind We Invented Paris zurück – mit klarer Haltung und neuer Musik. Das frische Songmaterial markiert dabei einen gravierenden Einschnitt in das bisherige Folk-Pop-Gewand der Schweizer:
Die Akustikgitarre ist der Keytar gewichen – und damit der Songwriter-Habitus der retro- elektronischen Popmusik. We Invented Paris liefern den perfekten Soundtrack eines 80er- Cyberpunk-Dramas, das im Jahre 2017 spielt. Nie zuvor kam etwas so Unerwartetes aus dem Labor der Paris-Erfinder!

Tusq
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Angus & Julia Stone
Das Geschwisterpaar aus dem australischen Newport hat sich mit seinem melancholischen Folkpop inzwischen eine stattliche Fangemeinde erspielt. Ihre bisherigen drei Alben gingen in ihrer Heimat gleich auf Platz 1 der Charts, in Deutschland zahlten sich die vielen Touren und Festivalauftritte dann mit dem dritten, selbstbetitelten Album aus, das schließlich auch bei uns die Top 10 knackte.
Nun stehen die beiden mit ihrem neuen Album „Snow“ in den Startlöchern, für das – wie schon beim letzten Mal -Starproduzent Rick Rubin an den Reglern saß. Schon in den ersten Sekunden der Platte merkt man: Angus & Julia Stone haben ihr Handwerk nicht verlernt, sondern eher verfeinert. Zu einer kratzigen Akustikgitarre und leisem Orgelspiel singt Julia „Running from the start, here we are again“, und ihr Bruder antwortet: „Running from the start, here we go again.“ Man wünscht sich fast, dass Angus & Julia Stone genau diesen Song wählen werden, um auch ihre Konzerte auf der „Snow“-Tour eröffnen.

Leyya
„Leyya sind vielleicht nicht der erste Act, der einem aus Österreich einfällt, aber die beiden jungen Musiker gehören zu dem besten, was die Alpenrepublik jemals der Popmusik geschenkt hat.“ (Musikexpress)
Leyya haben seit ihrem Debütalbum „Spanish Disco“ einen sagenhaften Lauf: Eine Radiostation nach der anderen – vom heimischen FM4 bis hin zur englischen BBC – nahm ihre Single „Superego“ ins Programm, der Titel erreichte seither mehr als zwei Millionen Hörer auf Spotify und mehrere hunderttausend auf YouTube.
Mit „Butter“ lieferte das oberösterreichische Duo einen auch visuell spektakulären Nachfolger. Sie bespielten 2016 mehr als ein Dutzend Länder und sorgten im internationalen Festivalzirkus für viel Aufmerksamkeit – vom Iceland Airwaves bis zum Reeperbahn Festival.
2017 weicht das elektronisch-melancholische Gewand einer deutlich bunteren Optik und erstaunlich leichtem Sound. Leyya präsentieren sich mit ihrer aktuellen Single „Zoo" farbenfroh, Pop affin und lebenslustig und verdammen uns damit wohl über den ganzen Sommer hinweg zum Mitwippen und Mitsingen. Das lässt uns mit Spannung auf das kommende, zweite Album im Herbst warten.

Cari Cari
Cari Cari’s Single „Nothing’s Older Than Yesterday" ist der erste Vorbote auf das Ergebnis von drei Jahren Suche nach dem Interessanten, dem Ungesehen und Ungehörten – irgendwo zwischen Melbourne, London & Tokyo. Cari Cari tauchten in die Szenen dieser Städte ein und nahmen dabei aus jeder Einzelnen nicht nur Erinnerungen, sondern vor allem auch Inspiration mit. All diese Eindrücke verschmelzen zu einer besonderen Art von Musik, so klingt Cari Cari so vermessen, wie East London’s Punks, mit der DIY-Attitude von Melbourne’s Fitzroy und der subtilen Eleganz Tokios. Cari Cari haben sich 2011 gefunden. Nur Wochen später verließ Stephanie das Land, um in Australien zu leben. Sie kehrte sechs Monate später zurück - mit Didgeridoo und Maultrommel im Gepäck - woraufhin die Zwei den Sommer in einem alten Haus am Neusiedler See mit schreiben, experimentieren und dem Aufnehmen einer EP verbringen: „AMERIPPINDUNKLER" Ihr Debüt erschien im folgenden Frühling und wurde von Blogs, Radios und Magazinen weltweit aufgegriffen. Die erste Single „White Line Fever" explodierte auf Soundcloud und YouTube nachdem sie eine Reihe einflussreicher US-Blogger hypten.

Johnny Flynn & The Sussex Wit
Johnny Flynn stammt aus einer Schauspieler- und Musikerfamilie. Sein Vater und zwei seiner Brüder standen oder stehen vor der Kamera (sein Halbbruder Jerome spielt den Bronn in „Game Of Thrones“), seine Mutter ist Sängerin, seine Schwester Mitglied bei den Sussex Wit. Er selbst steht natürlich ebenfalls auf der Bühne, sowohl als Schauspieler wie auch als Sänger und Gitarrist seiner Band. Bei diesem Hintergrund dürfte es nicht wundern, dass der 34-Jährige William Butler Yeats und William Shakespeare großen Einfluss auf seine Lyrics zuschreibt. Schon der Titel des jüngsten Albums – den Flynn für sehr wichtig hält, um schon vor dem Hören die Stimmung der Platte zu erzeugen – führt einen weit zurück in die englische Sprache: „Sillion“ ist ein altes Wort für die schimmernde Ackerfurche und die entstehende Scholle, wenn der Pflug durch die Erde zieht. Schon der Klang des Wortes habe ihn fasziniert, es erinnere ihn an Science Fiction ebenso wie an den ältesten Umgang des Menschen mit seiner Umwelt. Es sei ihm im vergangenen Jahr in den Sinn gekommen, rund um den Brexit und die Wahl von Donald Trump, als die Welt umgepflügt wurde. Flynn arbeitet schon lange Zeit an dem Album. Zwischen seinen vielen anderen Verpflichtungen schrieb er von Zeit zu Zeit an neuen Texten, deren dunkle Seiten er dem Einfluss eines Theaterstückes zuschreibt, in dem er einen Psychopathen spielte. Auch die Musik wirkt deutlich reifer und dunkler als die früheren Veröffentlichungen der Sussex Wit. Zusammen mit seinen Mitstreitern – dem Schlagzeuger David Beauchamp, Bassist Adam Beach, Joe Zeitlin am Cello, Gitarrist Dave Tattersall, den beiden Sängerinnen Lillie Flynn und Holly Holden sowie Cosmo Sheldrake, der für alles andere verantwortlich ist – entwickelte er den Folk der frühen Tage immer weiter. Die Melodien mit ihren vielfältigen Stimmungen, die Harmonien und der mehrstimmige Gesang kommen weiterhin aus der englischen Musiktradition, der Sound ist deutlich erweitert. So entstand ein Album, das in seiner Intimität dennoch politisch ist, das auf poetische Weise vom Leben erzählt. Im Herbst kommen Johnny Flynn und seine Sussex Wit zu uns auf Tour.

Alex Lahey
Alex Lahey kommt aus Melbourne und kämpft mit denselben Schwierigkeiten wie jeder andere Mensch mit 24. Beziehungsprobleme? Welche Karriere folgt nach dem Bachelor-Abschluss? Wieso eigentlich Karriere? Warum braucht man Eltern, wenn sie doch nerven? Heute Abend lieber trinken gehen oder doch lieber lernen, präziser gesagt an der Konsole Zeit verdaddeln? Doch Lahey hat ein Talent, das anderen in diesen Situationen fehlt: Sie kann sie in charmante, witzige und ziemlich krachige Lieder verwandeln. Vergangenes Jahr erschien mit „B-Grade University“ ihre erste EP mit fünf Stücken Indie-Rock, mit Riffs aus den Anfangstagen der Strokes, catchy Hooks, großartigen, weil überaus lustigen, echten und wahren Lyrics über Angst, Hoffnung und Gefühle. Zwischen himmelhochjauchzend, abgrundtief hässlich und Go fuck yourself eben. Lahey hat das alles selbst mitgemacht. Jahrelang hat sie Saxofon studiert und jede Minute davon gehasst. Also hat sie irgendwann hingeschmissen, ihren geliebten Toyota Corolla verpfändet und mit der Kohle die EP produziert. Mit Erfolg: In ihrer Heimat wurde die Australierin sofort auf das große Splendour-Festival eingeladen, im einflussreichsten Radiosender Triple J ging sie auf Heavy Rotation und wurde für den J Award for Unearthed Artist of the Year nominiert. Selbst wenn man nicht die gleichen Nöte und Sorgen durchlebt wie Lahey, löscht der erfrischend positive Indie-Rock Erinnerungen an ähnliche Misslichkeiten aus dem Gedächtnis und lässt einen vor der Bühne hüpfen. Jetzt steht die Arbeit an ihrem ersten Album vor dem Abschluss, und im Herbst kommt Alex Lahey erstmals nach Deutschland auf Tour.

Manchester Orchestra
Nicht aus Manchester, sondern aus Atlanta stammt diese wundervolle Indieband. Und obwohl Manchester Orchestra nie die Erfolgsklasse von sagen wir Death Cab For Cutie erreicht haben, spielen sie in Sachen Songwriting, Melancholie und Klasse auf Augenhöhe – das belegt allein schon ihr Hit „I Can Feel A Hot One“. Erst kürzlich hat Olli Schulz ihnen noch einen kleine Lobeshymne gewidmet, als er in seinem Podcast mit Jan Böhmermann das dramatische Video zu „Simple Math“ als kleines Meisterwerk bezeichnete. Im Herbst melden sich Andy Hull und seine Band mit dem neuen Album „A Black Mile To The Surface“ zurück. Die Vorabsingle „The Gold“ ist schon draußen und wieder mal ein mitreißendes, unter die Haut kriechendes Stück Musik.

Slothrust
Wenn die ebenso melodischen wie schwermütigen Manchester Orchestra Ende Oktober auf ihre Deutschlandtour starten, wird das Trio von Slothrust für das hirnsprengende Kontrastprogramm sorgen. Ihr freidrehender, explosiver Bastard aus Jazz, Blues und Rock verstört und begeistert spätestens seit ihrem 2016er Album „Everyone Else“. Frontmann Leah Wellbaum sagte einmal den treffenden Satz: “Die Leute hatten immer Schwierigkeiten, uns mit anderen Bands zu vergleichen. Bis einer sagte, wir klängen wie eine Mischung aus Nirvana und Jazztrompeter Wynton Marsalis”. Tja, was soll man sagen? Das trifft die Sache!

Cabbage
Cabbage sind eine politische Band. Songs über den neuen amerikanischen Präsidenten, Kapitalismus, Rebellion und die Bedrohung, die von Nordkorea ausgeht, klangen noch nie so großartig. Das hat drei Gründe: Zum einen machen Cabbage bizarre, fast schon surrealistische, zum Teil angenehm zotige und oft wahnsinnig komische Texte über das, was in unserer Welt abläuft. Zum zweiten ist der grimmige Post-Punk des Quartetts aus Manchester ein echtes Brett, auf dem man auch noch den Moshpit durchdrehen lassen kann. Und drittens gehören die Live-Shows der Jungs zum besten, was England derzeit zu bieten hat. Das hat auch die BBC gemerkt und Cabbage auf ihre einflussreiche „Sound of 2017“-Liste gesetzt. „Es ist so eine Verschwendung“, begründet Sänger Gitarrist Joe Martin ihre Freude an direkten Aussagen, „so viele Bands bekommen eine große Bühne wichtige Dinge auszusprechen, und haben dann gar nichts zu sagen.“ Das wollen er und seine Mitstreiter Lee Broadbent (Gesang), Eoghan Clifford (Gitarre), Stephen Evans (Bass) und Asa Morley (Drums) anders machen. Auf den bislang vier in rascher Folge veröffentlichten EPs „Le Chou“ (französisch für, natürlich, Kohl), „Uber Capitalist Death Trade“, „Necroflat In The Palace“ und „Terrorist Synthesizer“ – von denen gerade eine Art Best of unter dem Titel „Young, Dumb and Full Of ...“ erschienen ist – geht es inhaltlich und musikalisch hart zur Sache, wenn das Politbüro der englischen Jugend seine steilen Riffs durch die Verstärker drischt. Oder zusammengefasst: Inhalt, Humor und laute Musik gehen hier eine fantastische Symbiose ein und werden auf der Bühne durch Stage Diving und Bierduschen ergänzt. Besser kann eine politische Lektion nicht vermittelt werden. Oder wie die Band es ausdrückt: „Read a book, steal from a billionaire, listen to Cabbage.“ Kann man sich schöner indoktrinieren lassen als auf der Tour der Briten im April?

Royal Blood
Royal Blood arbeiten im Moment intensiv an ihrer neuen Platte, die jetzt offiziell für Mitte Juni angekündigt wurde. Dem Q Magazine haben Bassist und Sänger Mike Kerr sowie Schlagzeuger Ben Thatcher auch schon einen kleinen Einblick gewährt. Rund 50 neue Songs, vornehmlich in Nashville und Kalifornien geschrieben, seien in die engere Auswahl
gekommen und anschließend nach einem speziellen Prinzip streng ausgesiebt worden: „Alles, worauf du nicht stolz bist, ab in die Tonne.“ Daher klängen die Stücke „wesentlich sexyer und zuversichtlicher“ als die Stücke des Debütalbums, das den Briten ja immerhin eine Nominierung für den Mercury Prize einbrachte. Auch eine erste (leider sehr kurze) Aufnahme aus dem Studio lässt Großes erwarten. Thatcher schlägt gut gelaunt auf die Drums ein und Kerr haut gewohnt selbstbewusst ein steiles Riff raus. Royal Blood klingen auch 2017 mächtiger und druckvoller als der ganze Rest da draußen. Die beiden paaren die ursprüngliche Essenz wilder Rock’n’Roll-Power mit einer überraschend natürlichen Fähigkeit, geschickte Melodien und galoppierende Hooks zu formen - und das macht Lust auf den Nachfolger des selbstbetitelten Debütalbums.

Black Honey
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Intergalactic Lovers
Der erste Schritt einer Reise ist immer der schwerste, doch die Intergalactic Lovers lassen ihn mühelos erscheinen. Die vierköpfige Formation aus Belgien feierte mit ihren ersten zwei Alben sowohl zu Hause als auch im Ausland enorme Erfolge. Die packende Energie ihrer Live-Shows verschmilzt mit pointiertem Songwriting, welches oftmals intime und persönliche Themen erkundet.

Ihr drittes Album geht jedoch noch einen Schritt darüber hinaus. Die erste Single ´Between The Lines` erscheint am 2. Juni - ein erstes Anzeichen, wohin der neue Weg führen könnte. Alles an dem Song scheint präzise und fokussiert. Die Arbeit einer Gruppe in völliger Kontrolle ihrer kreativen Prozesse. Die messerscharfen Post-Punk Gitarrenriffs erinnern an die raffinierte Melancholie von Bands wie Interpol, Editors oder sogar The Cure. Die pochende Bassline hingegen ist New Order vom feinsten.

Lara Chedraouis Gesang setzt dem Song die Krone auf. Mit einer Mischung aus der unnachgiebigen Sehnsucht einer PJ Harvey und dem unverfälschten Stil Karen Os, bewahrt die Intergalactic Lovers Frontfrau dennoch stets ihre Unabhängigkeit und ihren eigenen Ansatz.

Es ist das Zusammenspiel all dieser Elemente, welches die Intergalactic Lovers auf die nächste Ebene befördert. Mit ´Between The Lines` gelingt es der Band die unglaubliche Atmosphäre ihrer Liveshows in einem Song festzuhalten und erlebbar zu machen. Um noch einen draufzusetzen drehte die Band ein spektakuläres Video, welches dem einflussreichen belgischen Maler René Magritte die Hochachtung erweist. Die Intergalactic Lovers machen hiermit den perfekten ersten Schritt zur Fortführung ihrer großen Reise.

Mew
Im April 2017 ist mit „Visuals“ das neue, bereits siebte Album von Mew erschienen. Live waren die dänischen Noise-Meister Ende Mai dreimal in Deutschland zu sehen. Im November gibt es mit einer Show in Berlin (26.11., Lido) einen Nachschlag.

„Visuals“ ist der Nachfolger von „+/-„, das 2015 erschienen ist. „Mit den Liveshows zum letzten Album befanden wir uns auf einem kreativen Höhepunkt“, sagt Frontmann Jonas Bjerre, „parallel haben wir neue Songs on the road geschrieben. Da war der Funke sozusagen entzündet. Wir wollten den üblichen Produktionszirkel aufbrechen und das neue Album spontan aufnehmen. Die Energie, die wir auf der Welttour verspürten, wollten wir gleich ausnutzen, anstatt noch einmal drei oder vier Jahre zu warten.“

Aufgenommen und selbst produziert in Kopenhagen innerhalb eines Jahres hören wir Mew von ihrer besten Seite. Ob nun die erste Single Carry Me To Safety", die voller faszinierender Feinheiten steckt. Demgegenüber steht der Opener „Nothingness And No Regrets“, der seine Euphorie langsam aufbaut, wohingegen „The Wake Of Your Life“ in den Pop der 80er Jahre ausufert. „Candy Pieces“ kommt als widerspenstig stampfender Track daher, während „In A Better Place“ fast schon glückselig auf der Melodie gleitet. Ins Ohr gehend: die neue Single "Twist Quest".

Als „wunderbare, latent grössenwahnsinige, elegische Musik“, hat die „Intro“ die komplexen Songs und vielschichtigen Songstrukturen der Dänen einmal beschrieben: Mal hören wir sphärischen Pop, mal rockt es ordentlich, mal verlieren sich die Songs im Nirvana, mal kommt alles kompakter daher. Post-Rock oder Prog-Pop? Indie-Pop? Egal, wer Bands wie Radiohead oder Sigur Rós schätzt, wird auch Mew mögen.

Beeinflussst von so unterschiedlichen Acts wie den Pixies und Dinosaur Jr, aber auch Prince und den Pet Shop Boys wurden Mew bereits Mitte der Neunziger Jahre gegründet. Doch erst mit dem dritten Album „Frengers“ (2003), erspielten sich die aus Hallerup stammenden Musiker auch hierzulande eine kleine Gefolgschaft. „And The Glass Handed Kites“, 2006 erschienen, vergrösserte den Fankreis dann erheblich, was der Nachfolger mit dem langen Namen 2009 noch ausweitete. 2009 waren Mew auch auf persönliche Einladung von Trent Reznor im Vorprogramm von dessen Nine Inch Nails in Europa mit dabei.

Glasspop
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Oscar And The Wolf
Oscar And The Wolf veröffentlichen Ende September ihr neues Album „Infinity“, das nicht nur vom Titel her an das umjubelte und mit Platin veredelte Debüt „Eternity“ anknüpft. In den drei Jahren seit Veröffentlichung des Vorgängers hat das musikalische Projekt um Sänger Max Colombie Superstar-Status erreicht. Der Höhepunkt war im vergangenen Jahr das Pukkelpop-Festival, wo die Belgier als Abschluss und letzter Headliner noch nach Rihanna und dem LCD Soundsystem auf die Bühne kamen, um dem Publikum mit ihrem furiosen Elektro-Sound und der gewohnt emotionalen Show voller Pyrotechnik so richtig einzuheizen. Danach zog sich Colombie zurück, um an den neuen Tracks zu arbeiten. „Ich habe noch nie so eklektische Songs geschrieben“, sagt er im Rückblick, „was an der dramatischen Zeit davor lag. Aber Drama kann ja auch etwas Großartiges haben. Wenn ich mich dunkel oder traurig fühle, dann tauche ich ganz tief darin ein, um da unten etwas Interessantes zu finden. Daraus entsteht meine Musik.“ Der Künstlername Oscar And The Wolf verbindet folglich Dunkelheit und Licht, das Poetische des Tagträumers mit der nächtlichen Einsamkeit des Wolfes, der den Mond anheult. Ähnlich dichotomisch sind auch die Songs des neuen Albums angelegt. Zusammen mit seinem Produzenten Jeroen De Pessemier a.k.a. One Track Brain entwickelte sich der opulente und sphärische Sound immer weiter, driftete ins Poppige ab und kehrte wieder zurück zur in sich gekehrten Traurigkeit, bis endlich alles in einem Klangraum zusammenfand. Beispielhaft dafür sind die vorab veröffentlichten Tracks „So Real“ und das ganz frische „Breathing“ mit seiner melancholischen Sexyness.

Henry Rollins
Henry Rollins ist das vielseitigste Multitalent der amerikanischen Subkultur. Als Frontmann der Hardcore-Formationen Black Flag und Rollins Band schuf er sich eine weltweite Fangemeinde, die ihm auf seinen weitreichenden und stets meinungsstarken Exkursionen folgt. Er ist Schriftsteller und Inhaber eines eigenen Buchverlags, Radio- und TV-Moderator mit regelmäßigen eigenen Sendungen, Reisejournalist und politischer Kommentator, Filmschauspieler und ambitionierter Gewichtheber. Im kommenden Februar lädt Henry Rollins nun europaweit zu einer Handvoll ganz besonderer Auftritte, darunter auch einen am 4. Februar in Berlin: Ein Diavortrag der sicher wie gewohnt unkalkulierbaren Art, bei dem Fans einen ungewöhnlich privaten Einblick in die abenteuerlichen Reisen des Amerikaners erhalten und die Geschichten hinter seinen dokumentarisch eindrucksvollen Fotos erfahren. Der Grund, warum alles, was Henry Rollins anpackt, auch diese privaten Fotos, weltweit mit derart viel Begeisterung aufgenommen wird, ist simpel: Es geschieht aus reinem Herzen, innerer Überzeugung und purer Leidenschaft. Der in Washington geborene und in Los Angeles beheimatete Desperado sucht sich sein nächstes Projekt ausschließlich nach persönlichen Interessen und Motivationen aus. Der Vorteil für seine Fans liegt auf der Hand: Ob in Buchform, als Song, Film, Reisedokumentation oder Spoken Word-Performance, immer erhält man den ungefilterten Blick eines versierten Sprachgenies, das Politik und Poesie, Humor und Zorn, Polemik und persönliche Erlebnisse zu spannenden Streifzügen durch die moderne Gesellschaft verbindet.